La cultura popular contemporánea, desde la Coca-cola y los Doritos hasta la saturación de imágenes en Internet, ya sean fotos, reels, Tik Toks o memes forman parte de la visualidad del colectivo de artistas Aggtelek, formado por Gema Perales (Barcelona, 1982) y Xandro Vallès (Barcelona, 1978).
Aggtelek es un dúo se siente profundamente comprometido con las ideas de su tiempo. Para ellos la vida es arte y el arte es vida, expresada con una contundente vitalidad a través de sus obras. Obras que muestran una domesticidad de lo artístico donde lo cómico se convierte en narración personal y el mal gusto en algo muydigno. Por eso reexaminan, reinterpretan, alteran y se apropian de todo lo que cae en sus manos, tanto de obras de arte moderno y contemporáneo como de la moda, el vintage o los objetos de segunda mano.
Retrato Aggtelek: Gema Perales y Xandro Vallès. Foto: Júlia Morató
Su propuesta pictórica explota diversos campos de creación, experimenta con los procesos y utiliza diferentes modelos narrativos a través de dibujos sencillos, irreverentes e ingeniosos, en los que las imágenes son descontextualizadas para plantear un juego autorreferencial sobre el propio mundo del arte. Además, huyen de la idea de autoría y de genialidad del artista único. Gema y Xandro forjaron su colaboración en el bar de la universidad y adoptaron el nombre Aggtelek tras leerlo en un libro sobre laberintos, porque sonaba arty y tech. Ahora forman una familia, son intrépidos, hiperproductivos, e incorporan a sus hijas en sus creaciones, mostrando de modo continuado sus pensamientos, ideas o diálogos diarios a través de trabajos desplegados en una gran diversidad de disciplinas, desde lo performativo, hasta esculturas, videos, textos o instalaciones que han expuesto por todo el mundo.
“Let’s Perform Everything”. Vista instalación en Galería Luis Adelantado Miami
María Muñoz: Antes de asentaros en Barcelona y formar una familia, viajabais mucho. ¿Cómo contribuyen los distintos escenarios a vuestro trabajo? ¿Notáis diferencias en la recepción?
Aggtelek: Nuestro trabajo siempre se ha visto influenciado por lo que hemos vivido. Los lugares en los que hemos estado han influido en nuestro proyecto y han sumado a nuestras ideas. Nueva York nos dio el proceso creativo, la acción y la teatralidad. De Tokyo extrajimos la arquitectura y la instalación —Let’s Perform Everything… surge de pasar temporadas en Japón—. De Berlín la monumentalidad escultórica; Bruselas hizo que volviéramos a la pintura; de Mexico DF el color y la vitalidad, y de Los Angeles pillamos nuestros conceptos BBQ. De todo vamos aprendiendo y sumando.
Creación y técnicas y formas
MM: ¡Wow, menudo periplo! Y además lleváis más de 20 años creando. Os sigo en Instagram, ¡imparables! Recuerdo un sketch de Muchachada nui—me encantaban a mí—, en el que parodiaban a un cineasta díscolo y puntero del momento, diciendo: “No puedo parar de crear”. Y vosotros, ¿no podéis dejar de crear?
Aggtelek: Jajaja, no eres la primera persona que nos lo dice. La verdad es que para nosotros el arte es como un deporte, necesitamos crear algo para sentirnos vivos y realizados. Es nuestra ilusión, nuestra vida y tenemos muchas cosas que decir. Por eso creamos todo lo que podemos.
MM: Dos décadas en las que las dinámicas creativas han ido diversificando los medios con los que trabajan los artistas. En vuestro caso: escultura, pintura, dibujo, a lo que añadís vídeo, performance e instalación, ¿hay que ser multidisciplinar sí o sí?
Aggtelek: Es muy aburrido hacer siempre lo mismo y tenemos la suerte de ser artistas, lo que significa que tenemos la libertad de hacer lo que nos dé la gana y esto se ve en nuestra obra. Hacemos lo que queremos, las cosas que consideramos más importantes.
“Travel Notes”, pintura al óleo. Cortesía Aggtelek
MM: Sigamos con los elementos formales. Con respecto a los materiales y técnicas, usáis tanto óleo (Travel Notes), como acrílico (Greetings from Mallorca, Photograhers), acuarela (Second Hand Drawings) o rotuladores (Second Hand Paintings). ¿Cómo decidís la técnica y el material?
Aggtelek: No tenemos una manera de hacer específica y eso ayuda a que cada proyecto se cree de un modo diferente. Salvo los Second Hand Drawings. Ahí quisimos hacer dibujos en acuarela porque consideramos que la acuarela es una técnica “viejuna”. Lo sorprendente fue que la gente percibió mucha frescura, radicalidad y contemporaneidad en una serie que jugaba con una técnica antigua.
MM: Y sí, vuestras obras son como un soplo de aire fresco: los colores, los textos, los dibujos. Un lenguaje aparentemente natural y espontáneo y una suerte de fragmentación de estímulos para los que miramos, ¿como lográis aunar ese conjunto de elementos?
Aggtelek: Somos así. Intentamos absorber todo lo que nos rodea y lo plasmamos de la mejor manera. Reflejamos el tiempo que vivimos. Ahora tenemos dos niñas y menos tiempo. Estamos trabajando en la serie Notebook Paintings en la que apuntamos todas las ideas que tenemos y un millón de cosas más para que no se nos olvide nada e intentar hacerlo en un futuro cercano.
MM: ¡Notas ilustradas, que lujo! Además tenéis piezas super grandes y piezas pequeñas, ¿con qué formatos os sentís más cómodos?, ¿se impone el formato para cada proyecto?
Aggtelek: Nos encantan los formatos grandes y las piezas gigantes. En Ponce + Robles hicimos nuestro Restaurante Palacio Feliz, un escultura que ocupaba toda la galería realizada con cajas de cartón y dibujos. Era un restaurante chino, ahí podías tomar noodles y ver la tele en vivo. Hacíamos mini performances en directo. Este tipo de obra es nuestra preferida. Pero nos adaptamos a todo: espacios grandes o pequeños.
“Restaurante Palacio Feliz”. Vista instalación en Galería Ponce + Robles
Tecnología si, tecnología no
MM: ¡Excelente! Y con respecto al uso de la tecnología, un Zeitgeist de nuestra era. Aplicada al arte entre otros métodos: dibujos y esculturas realizadas en 3D, pantallas y realidad virtual…, ¿pensáis usar las nuevas tecnologías ?
Aggtelek: Lo haremos cuando lo creamos conveniente. El 3D es una herramienta que tenemos a nuestro alcance —el hermano de Xandro es experto en tecnologías 3D— y muy fácil de usar, pero no lo hemos hecho aún. La tecnología la utilizamos cuando la necesitamos. La serie de pinturas Travel Notes están hechas en China, mediante un archivo .jpg. Diriges desde aquí a todo un taller en China, ¡eso es tecnología!
MM: Pero sin embargo habéis realizado incursiones en sonido, Conversation Piece: Albert Serra & Arale Norimaki (compuesta de cut-out y audio) u esta otra más antigua, The Speaker (2012), ¿qué desafíos os movilizan en estos proyectos?
Aggtelek: En esos proyectos nos interesaba que la narrativa ocupara todo el espacio, una narratividad espacial. En The Speaker sobre todo, la exposición consistía en una novela atmosférica en la que las pinturas funcionaban como las imágenes, que se interpretaban según se escuchaba la historia. En la inauguración había tantísima gente, que no se veían ni las pinturas ni se escuchaba el audio. Fue un éxito total. Aún nos acordamos de Wolfang Tillmans abriéndose paso por la galería como si fuera una discoteca para poder ver la expo.
“Installation Tale”. Vista exposición en Instituto Cervantes de Bruselas
MM: ¡Qué bueno, así es Berlín! Además tenéis una marca de streetwear: Frito Projects. ¿Cómo y por qué decidisteis crear este proyecto?
Aggtelek: Esta idea surgió tomando unos mojitos en un chiringuito de playa. Tenemos un proyecto en el que realizamos diferentes marcas con las grandes citas del arte contemporáneo y colecciones AW y SS de cada evento: Art Basel, La Biennale di Venecia o Documenta. Es un proyecto que se ha quedado archivado y bastante olvidado. Pero entonces pensamos que sería chulo hacer una marca de ropa con nuestras ideas. Hacemos toallas, mantas y un montón de cosas. Ahora lo hemos expandido y tenemos un Contemporary Supermarket en el que puedes comprar cosas de nuestra marca, libros y también nuestro aceite de oliva preferido, Oli Aixandri, una obra original de Enrique Baeza.
MM: He visto en Instagram una foto de los dos pintando en el mismo cuadro, a 4 manos: Gema por arriba y Xandro por abajo, ¿funcionáis así o era sólo para la foto?
Aggtelek: Al principio discutíamos mucho y nos costaba ponernos de acuerdo. Ahora sí que pintamos a 4 manos. Las cosas surgen de manera fluida y nos centramos en más de un proyecto a la vez. Esto lo hacemos desde hace unos años. Antes no desarrollábamos más de un proyecto a la vez.
MM: ¡Eso me impresiona!, complementarios en todo: pareja, arte-vida, familia. Y a nivel conceptual, ¿cómo se desarrollan las investigaciones y cómo planteáis lo que vais a hacer?, ¿hay roles determinados?
Aggtelek: En nosotros todo es un proceso creativo. Vivimos juntos y toda nuestra obra es un diálogo constante que tenemos poco a poco y a lo largo del día. Los proyectos vienen de nuestras conversaciones y les damos forma según hablamos. La parte más importante de nuestro trabajo siempre ha sido el diálogo, las conversaciones.
“Slash Theatre of My Mundo”. Vista exposición en Galería Luis Adelantado
Evolución
MM: El diálogo es importantísimo. Si dialogáramos más no habría tantos conflictos en el mundo. Para acabar con esta “revisión” retrospectiva, ¿cómo ha evolucionado vuestra obra desde los inicios? Citad una obra del último periodo y una de los inicios con sus similitudes y diferencias.
Aggtelek: Nuestras primeras obras eran performances que grabamos en video, hechas con cajas de cartón en las que montamos esculturas sobre nuestros cuerpos. Luego nos peleábamos para destrozarlas y volvíamos a hacer otra. Así hasta que parábamos por agotamiento. Estábamos siempre montando y desmontando a toda velocidad. El video lo pasábamos rápido, rollo Chaplin o el Gordo y el Flaco, pero multiplicado por 50. Una de nuestros últimos trabajos es una pintura que se titula This Is So Contemporary. Está pintada sobre otra obra, Cocktails & Dreams de la serie Second Hand. En el cuadro vamos anotando frases, ideas que no queremos que se nos olviden. No sólo hemos pintado nosotros, nuestra hija mayor también ha participado. La verdad es que tiene mucha similitud con nuestros inicios: montar y destruir… sólo que ahora destruir se convierte en pintar encima y escribir todas las ideas. Un manera de explicar nuestro tiempo de un modo distinto.
El humor y lo frito
MM: Al inicio hablabais de la risa y la verdad es que se percibe vuestro trabajo con mucho humor. Un humor entre irónico e irreverente. ¿Qué artistas que trabajan el humor os gustan o inspiran?
Aggtelek: El humor es una de las cosas más importantes de nuestra vida y de nuestra obra. Siempre lo hemos considerado crucial y nuestro trabajo siempre tiene un toque de humor, crítico según se mire. Somos muy fans de artistas que utilizan el humor, nuestro arte no deja de ser una broma muy seria.
MM: Y sobre la cultura popular contemporánea, el grafiti, el cómic, ¿como os influyen?
Aggtelek: Vivimos un momento con muchísimas cosas interesantísimas en todos los sectores (arte, cine, teatro, diseño, arquitectura, música, etc.) y tenemos la suerte de tener acceso a todo. El problema es cuando quieres conocerlo todo y no te da tiempo. La verdad es que a nosotros nos influye todo, tanto que en la serie Notebook Paintings, anotamos desde libros que nos interesan o queremos leer, la música que estamos escuchando, hasta artistas que nos gustan, obras que queremos hacer y un montón de cosas más. Estos cuadros son una radiografía de la cultura de hoy en día, y a la vez un recuerdo de todo lo que nos gusta.
MM: Tengo que preguntaros sobre lo frito, los Doritos y todas esas cosas ¿qué es lo que os fascina de este imaginario?
Aggtelek: Consideramos que nuestro arte es un frito de lo que somos, de lo que nos gusta, de lo que nos ha influenciado y nos influencia. Lo frito representa nuestra manera de pensar, de actuar y de hacer.
Sólo tienes que ir a un chiringuito de playa y leer la carta: boquerones fritos, “pescaíto” frito, croquetas, casi todo es frito. Nuestra cultura se basa en el “concepto de lo frito”. Y respecto a los Doritos, para nosotros son una obra de arte. Tanto el sabor, como el diseño, los anuncios, el branding, todo eso está a la altura de los grandes artistas. El Louvre tendría que dedicar un espacio a marcas como Doritos, Coca-Cola o Apple.
“Sin Título 19.8”, fotografía. Cortesía Aggtelek
Historia del Arte o el arte como historia
MM: Jajaja, ¿en serio? Pero la Historia del Arte —con mayúsculas— también forma parte esencial de vuestros procesos creativos. Tanto para referenciar o nombrar (Name Paintings), como para apropiarse de ellas. Así es Art History,que se expuso en la presentación de Espai Tactel en Barcelona. ¿Que intentáis desvelar con ella?
Art History es una manera de mirar la Historia del Arte desde el lado más sexy, aunque hay quien lo ve radical. Pensamos en el dibujo más básico y universal que existe y llegamos a la conclusión que era la típica polla que uno dibuja con 12 o 14 años en el cole. La hacíamos nosotros y se sigue haciéndose hoy en día. Así que de una manera espontánea dibujamos una y escribimos Picasso debajo. Después nos planteamos esta pregunta: ¿Picasso es la polla o Picasso nos importa una polla? Para los menos fans del arte, Picasso sería el arte. Y nos pusimos hacer penes y vaginas recorriendo toda la Historia del Arte, desde Grecia hasta ahora.
MM: Pero, ¿qué os pasa con Picasso? Las pinturas Gambas al Ajillo o Hangover también son caras picassianas.
Aggtelek: A Picasso lo odiábamos, supongo que por culpa del colegio. Las excursiones al Museo Picasso eran una pesadilla. La mejor manera de representar una buena resaca es una cara distorsionada rollo Picasso. Así te encuentras el día después. Picasso en eso es un genio.
MM: ¡Pues también es verdad! En vuestro corpus artístico hay una línea que recorre la cultura (popular y no) de los últimos 100 años. De las vanguardias al punk y la new wave. Y además abogáis por una relectura de la Historia del Arte que rechaza la historiografía patriarcal y euro céntrica. ¿Qué responsabilidad existe entre el arte y las cuestiones de género?
Aggtelek: Visto lo visto y la situación en la que se encuentra el mundo, creemos que debemos volver a replantear todo. Hablar de estos temas debería ser una cosa de la antigüedad, la lástima es que sean de actualidad. Ya es hora de que la gente queer tenga su sitio en los museos y en todos lados, parece mentira que aún se tenga que luchar por estas cosas tan básicas. Dice mucho de la sociedad en la que vivimos.
“Sin Título 19”, fotografía. Cortesía Aggtelek
Aggtelek son muy Dadá
MM: A colación de esto, y hablando de sociedad, el movimiento Dadá —breve pero rotundo— dirigía sus golpes contra todo lo establecido. En ellos la pulsión era esa crisis entreguerras y el cuestionamiento de un orden y racionalidad que ya entonces se resquebrajaba. ¿Os sentís cercanos al dadaísmo? Nuestro mundo también se ha resquebrajado ¿qué similitudes veis entre ese momento y el nuestro?
Aggtelek: Nuestras primeras obras eran muy Dadá, no sólo por la acción de destruir sino también por lo que utilizábamos: materiales de desecho que encontrábamos en la calle y nuestros cuerpos. Y pues sí, estamos en un momento en el que debemos replantearnos todo de nuevo, quizás así se debieron sentir los artistas Dadá. Cómo ya decían ellos citando a Descartes: “No quiero ni siquiera saber si antes de mi hubo otro hombre”.
Apropiacionismo y autoría
MM: Hum, la razón y Descartes quizás nos trajo donde estamos … ¡En fin!, seguimos. También hacéis uso de la apropiación, devorando referencias, Baldessari, Lichtenstein, Warhol, Matisse, Schiele ¿Cómo nace esa inquietud?
Aggtelek: Podríamos decir que somos hijos del apropiacionismo, somos la generación del “copy & paste”, así que todos tenemos bastante de ello aunque no lo sepamos. Conocer el trabajo de Richard Prince fue revelador. Saber que refotografiaba una foto de un anuncio y se la apropiaba es una genialidad. Es lo que gran parte de la humanidad ha hecho, pero 30-40 años después. Richard Prince vende esas fotos por mucha pasta, ¡un maestro!
MM: Esa apropiación de los 1980s-1990s pretendía desmitificar el proceso creativo y la desactivación de la noción de autoría, clave en el mercado del arte. En la actualidad, además, a la posibilidad de reproducción múltiple, se une la masiva circulación de imágenes. Como artistas contemporáneas que además trabajáis con apropiación, ¿qué pensáis?
Aggtelek: Está muy clara nuestra posición con respecto a la idea de autoría. Sólo tienes que ver nuestro nombre. Nunca quisimos poner nuestros nombres individuales porque consideramos que Aggtelek podría precedernos. La primera idea que tuvimos fue crear un colectivo con mucha gente y poder realizar un montón de proyectos de un montón de disciplinas diferentes, pero nos quedamos nosotros dos solos (risas).
“Travel Notes”, pintura al óleo. Cortesía Aggtelek
MM: Ligado también a la autoría, la originalidad y el aura de la obra de arte única, el mercado siempre encuentra modos de “reformular” conceptos obsoletos en su favor. ¿Que pensáis del uso de los NFT en el arte? Últimamente no paro de ver galerías que se suben al carro.
Aggtelek: Todo el mundo está ahora con los NFT. Nos habían hablado hace mucho tiempo de ello para hacer unas obras exclusivas, pero nunca nos decidimos. Fue una sorpresa conocer la obra de Beeple y que llegará a alcanzar los 69 millones de euros. Su obra nos gusta mucho, ¡seguro que se lo merece!
Second hand, reciclaje y vintage
MM: Más conceptos interesantes y contemporáneos que se dan en vosotras. Volvamos a la serie Second Hand. Va sobre la cultura del reciclaje, de la que además, os declaráis fans: objetos de segunda mano y vintage. ¿Cómo esta onda expansiva del “no producir, sino reutlizar” ha tocado vuestro arte?
Aggtelek: Esta serie nació tras hacernos la pregunta: ¿qué es lo peor que puede hacer un artista contemporáneo? Y la respuesta fue: copiar. Si además copias a un artista vivo y compañero tuyo, aún peor. Uno necesita hacer cosas malas y el arte te permite hacer gamberradas como ésta. Nuestra muestra Los Espectadores era una exposición escultórica hecha para ratas. La sala daba a la calle y la intención era que las ratas participarán de la performance expositiva. Las esculturas y monumentos, todo era para ellas, por eso había mucho queso, y con el tiempo, te aseguramos que la exposición olía bastante mal. Mucha gente se enfadó con nosotros porque consideraban que nos reíamos del ellos.
Aceleración y redes sociales
MM: Suele pasar, hay mucho “ofendidito” por ahí suelto —apropiándome de un término de la Litjamer—. A propósito de la inmediatez y la aceleración en la que vivimos, la serie 1Sec Paintings, ¿en qué consiste y qué mensaje se esconde tras ella?
Aggtelek: Quisimos hacer pinturas de 1 segundo, pinturas fast-food creadas ultra rápido y con conceptos directos. Es una manera de cuestionar el mercado del arte y el sistema de producción actual. ¿Cuál es el tiempo que pasa un espectador delante de una obra en una feria de arte? ¿Un segundo? Pues para qué estar más tiempo haciendo la obra. De todos modos, tenemos que decir que algunas pinturas nos llevaron 5 segundos (risas).
“Performing the Sculpture & Sculpturing the Performance”. Galería Luis Adelantado
MM: Y aunando todo lo que hemos ido hablando. Vuestro IG, como escaparate visual, contiene pinturas que se apropian de obras, a las que hacéis una fotografía y colgáis en la red. O sea: la foto del dibujo de la obra sobre otra obra en un espacio “virtual”. También os apropiáis del lenguaje de la comunicación virtual como en Emoji Drawings. De nuevo paso digital a analógico y vuelta a lo digital. ¿Cual sería el patrón narrativo que se ajusta a todas esas jugadas?
Aggtelek: Pues mira, después de la Covid se nos viene un mundo nuevo, diferente. Hay un momento en el que exponer no significa mostrar en un lugar real, porque cuando se expone en una galería o museo, lo primero que se hace es subirlo a las redes. Ahí se supone que hay más gente que lo ve y se genera más afluencia de público. Entonces, ¿qué más da exponer la obra en IG o en una galería? ¿Qué importa si hablamos de un cuadro o de una foto?, lo que importa es la visibilidad. Si es una instalación, entonces es diferente, porque hay que vivirla. Para nosotros se plantean este tipo de dudas, porque hoy existe más de una realidad y hay que darle importancia a todas.
MM: Hablando de IG y de realidades paralelas. También ejercéis de entrevistadores en The Interviews, una especie de entrevista visual a artistas y gente del arte. ¿De dónde nace esta pulsión periodístico-divulgativa?
Aggtelek: La serie The Interviews es nuestra “Mini IG Stories Magazine”, en la que hacemos entrevistas a gente del mundo del arte que nos interesa. Incluso estamos por hacer un formato diferente, más rollo “Mini IG Reel Magazine”. Entrevistamos a gente que nos gusta, de momento hemos entrevistado a las artistas Tanit Plana, Tony Matelli, Genie Espinosa; a curadores como Paco de Blas o Domenico de Chiricio o a galeristas como Misako & Rosen y a Damien Dakota.
El mercado del arte
MM: Y de lo que os gusta a lo que gustáis, hablemos de cómo se han posicionando vuestras obras en el mercado. ¿Cuál fue la primera galeria que os expuso?
Aggtelek: La primera galería que nos expuso fue la Luis Adelantado en Valencia. Nos dio la oportunidad de hacer nuestra primera individual en todo el espacio de la galeria que eran 5 plantas. Fue como hacer una exposición en un Corte inglés. Pensándolo ahora parece una locura. Fue nuestro primer mega proyecto y con el tiempo una oportunidad única que resolvimos muy bien, porque no es nada fácil hacer una individual en un sitio tan grande. ¡Nos quedó una exposición redonda! Luis Adelantado nos ayudó mucho, es uno de los galeristas más buenos que hemos conocido.
“Performing the Sculpture & Sculpturing the Performance”. Galería Luis Adelantado
MM: Además estáis representados por varias galerías: mi querida Espai Tactel, Ponce + Robles o Kaplan Projects. ¿Os han favorecido todas esas colaboraciones?
Aggtelek: Sí, nos han favorecido. Es un placer trabajar con todos ellos porque aparte de ser grandes personas y tener muy buenos equipos, son muy buenos profesionales. Confiamos mucho en ellos y sabemos que representan y explican muy bien nuestra obra.
MM: A veces pienso que a los artistas no os gusta responder esto, como si ganarse la vida de lo que uno hace en e mundo del arte se considerara una obscenidad. Pero vuestra obra, a bote pronto, parece susceptible de ser vendida y por eso vuestras galerías os han llevado a ferias de arte por todo el mundo. Vuestro Disco Disco! y Second Hand Series han estado en ferias en Basel, el edén del mercado del arte. ¿Habéis vendido mucho? ¿Que tipo de coleccionistas tenéis?
Aggtelek: Pues sí, hemos estado en Artlima, ARCO, Maco México, Artissima, ArtBrussels, ShContemporary (Shangai), Paris Photo, Dreamartfair y Volta y Liste, estas dos últimas en Basilea. Con respecto al perfil de nuestros coleccionistas, nuestro trabajo está presente en grandes colecciones y también en colecciones jóvenes. Estamos muy contentos de que nuestra obra esté repartida por todo el mundo y seguimos sumando coleccionistas. De momento tenemos en un montón de ciudades: Seúl, Paris, Londres, Oslo, Lima, Medellín, Tokyo, Nueva York y, por supuesto, Barcelona.
Los tiempos que vivimos
MM: Con la Covid-19 llegó el confinamiento y la corona-cultura online. Habéis reflejado ese periodo con vuestros dibujos del confinamiento: Weekend Drawings. ¿En que consisten?
Aggtelek: Los Weekend Drawings son los dibujos que hacemos los fines de semana con nuestras hijas. Podríamos decir que son dibujos a 4 manos y siguen una temática doméstica, familiar y humorística. También después de esta serie hemos hecho los Lifestyle Drawings, en los que dibujamos nuestro día a día. Una serie te lleva a otra.
MM: Y ¿qué balance hacéis de este año pandémico?
Aggtelek: Ha sido un año diferente, en el que hemos mirado mucho más hacía dentro. Hicimos un cuadro durante el confinamiento que creo que dice mucho, es la pintura Save Your Head. En ella hay una serie de retratos de personajes que pueden ayudar, como Montaigne, Schopenhauer, Séneca, Marco Aurelio, Félix González-Torres, Nietzsche etc.
MM: Ha sido muy muy divertido y optimista hablar con vosotros. Ahora sí, contadnos vuestros planes presentes y de futuro (próximo) —hoy por hoy no se pueden hacer planes a largo plazo—.
Aggtelek: Pues tenemos varios proyectos en marcha. Estamos súper contentos porque han cogido unas pinturas nuestras para una película de Netflix que se estrenará en breve. También tenemos unas cuantas exposiciones colectivas de cara a este verano en Uxval Gochez Gallery y en la Dio Horia Gallery de Atenas. Aparte también estamos preparando una exposición individual en Espai Tactel en Valencia que dará mucho de qué hablar. ¡Tenemos un proyectazo para hacer en la galería que va a ser la bomba!
MM: Expectantes estamos, ¡suerte con todo!
“Restaurante Palacio Feliz”. Vista instalación en Galería Ponce + Robles
“Restaurante Palacio Feliz”. Vista instalación en Galería Ponce + Robles
Fotogramas del video “1er Ensayo Escultórico”. Cortesía Aggtelek
“Let’s Perform Everything”. Vista instalación en Galería Luis Adelantado Miami
“Let’s Perform Everything”. Vista instalación en Galería Luis Adelantado Miami
