Si hay algo positivo que decir sobre 2020, es que se nos dio la oportunidad de repensar el status quo. Se nos pidió reevaluar nuestras prioridades y escuchar a los necesitados. En muchos sentidos, 2020 ha supuesto una serie de lecciones para desaprender la ignorancia, algo a lo que el arte también puede contribuir, creo.
Por eso, listamos aquí nuestras top 10 exposiciones presenciales que se exhibieron en este año sin precedentes. Desde las únicas dos bienales presenciales que se han celebrado en el territorio europeo hasta pequeñas exposiciones en galerías. De Alemania, a Francia y localmente de Madrid a San Sebastián, pasando por Barcelona. De archivos, a océanos, de algoritmos a pandemias de la humanidad, que no sólo del coronavirus, por desgracia, se trata.
¡Ah! y ni que decir tiene que el orden de los factores no altera el producto.
Foto Portada: El Palomar, Schreber is a Woman, 2020. Vista instalación en la Bienal de Berlín. Foto: Silke Briel
Este distópico año 2020 también trajo en fin de la era Trump y con esto un pequeño atisbo de esperanza. Por eso, queremos resaltar con nuestro con nuestro top 10 exposiciones que allá de las limitaciones prácticas y del hecho de que muchas exposiciones se hayan cancelado, cualquier evento artístico que haya tenido lugar en el año pandémico, supone un statement en sí mismo sobre el momento histórico en el que vivimos, dominado, en la esfera cultural por la irrupción sin precedentes del mundo digital en el modo de experimentar el arte, que ha llegado para quedarse.
Performance correspondiente a Moving off the land II de Joan Jonas, en el Museo del Prado, Madrid, Febrero, 2020
1 – Joan Jonas, Moving off the land II performance y expo, Museo del Prado / TBA21, Madrid
El proyecto Moving off the land II de la octogenaría Joan Jonas, inspirado en los textos de Emily Dickinson y Herman Melville sobre los océanos, pero también en las grabaciones subacuáticas del biólogo David Gruber, especialista en arrecifes coralinos se presentó en febrero justo antes de que todo estallara con un azote feroz especialmente en la capital española.
Mezclando la poesía con la ciencia, los estímulos visuales y el discurso multicapas de los monólogos interiores, Jonas dejó entrever una acertada llamada de atención sobre la urgencia medioambiental. “Quiero que mi obra tenga relación con el presente, pero sin ser didáctica. No quiero escandalizar ni aleccionar, sino perturbar”, decía Jonas.
Vista instalación, Moving Off the Land II de Joan Jonas en el TBA21, 2020. Foto: Roberto Ruiz | TBA21
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Vista instalación, Panal de Francecs Ruiz en el CA2M
2 – Francesc Ruiz, Panal / CA2M, Madrid
Distribución perturbadora de contenidos y cuerpos, mundos globales, disidencia, pansexualidad e identidad impregnaron Panal, el solo show del artista catalán Francesc Ruiz en el Centro de arte 2 de Mayo de Móstoles. Inaugurada como la anterior durante la prepandémica semana del arte de Madrid y que como todos los eventos culturales se vió interrumpida por el coronavirus, cuya “pertubadora distrubución” —para usar terminlogía y tema principal de la exposición de Ruiz— se ha auto-distribuido por todo el planeta para instaurarse en nuestras vidas.
Francesc Ruiz parte del cómic como sustrato estético, narrativo e intelectual, y también como material histórico y operativo. Aplicándolo a modo de continente o descripción de lo real (a través de la creación, la alteración, la restitución o el ensamblaje) genera historias que articulan sus instalaciones. Panal se articuló como una retrospectiva con obras nueva producción. No importa por qué parte comenzabamos a caminar por la muestra, de modo que para acceder a cualquier instalación se había de pasar por una tienda, también obras de Ruiz.
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Vista instalación, Nonlinear Histories & Quantum Futures, 2020 de Black Quantum Futurism en Manifesta 13. Photo ©Jeanchristophe Lett /Manifesta
3 – Lazos de Unión / Manifesta Marsella. La bienal nómada europea
La ciudad francesa de Marsella, abrió escalonadamente contra todo pronóstico y con dos meses de retraso Traits d’union.s, la 13 iteración de la bienal nómada europea.
Marsella un desplazado epicentro mestizo y ecléctico, urbe del Mediterráneo con 26 siglos de historia, llena de contradicciones y contrastes, lenguajes, historias y lugares que permiten formas de desviación y discrepancia fue la sede de Manifesta en este distópico año 2020. Manifesta se define como plataforma para el diálogo entre arte y sociedad, el modelo mediador defendido por esta, investiga y cataliza el cambio social positivo en Europa a través de la cultura contemporánea. Mediante un intercambio continuo Manifesta Marsella tuvo como objetivo integrarse en el tejido social, cultural y político de la ciudad con la intención de abrirla y dejar un efecto sostenible, ¡esperamos que lo consiguiera!
La exposición central llamada incluyó 47 artistas y colectivos y seis capítulos cuyas narrativas se centran en crear comunidades, nuevas formas de cuidado y lazos de solidaridad: “un nosotros, no un yo”. Dichos capítulos fueron: el hogar: alquileres, experiencias y lugares; el refugio:esperando nuevos comienzos; la casa de la caridad: lo extraño, lo poético y lo posible; el puerto:donde yacen las historias; el parque: convertirse en un cuerpo de agua, y la Escuela: lo sonoro, lo audible y lo silenciado.
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Vista instalación: Schreber is a Woman de El Palomar, 2020 en BB11. Foto: Silke Briel
4 – The Crack Begins Within/La grieta comienza dentro / 11ª Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín
Dominada por voces femeninas y perspectivas queer, la Bienal de Berlín 2020 dedicó su espacio a las dificultades y los triunfos de comunidades marginadas. La undécima edición de la bienal pudo abrir sus puertas a principios de septiembre y se cerró el 1 de noviembre, a la vez que volvió a cerrarse todo en Alemania.
La 11ª Bienal de Berlín fue un proceso constante que se interrumpió en marzo y que culminó con un Epílogo final que se inauguró finalmente en septiembre, con tres meses de retraso. Fue por eso muy emocionante que los temas centrales que tratan —la el capitalismo poscolonial, la injusticia basada en el género y la raza, la homofobia y las desigualdades causadas por el cambio climático— hayan alcanzado su clímax en este 2020, colapsando el mundo a través de una pandemía.
Distribuida en cuatro sedes, las curadoras invitaron a más de 75 artistas queer y mujeres procedentes en su mayoría del Sur global que de no ser por la bienal poco chance tendrían de ser expuestas en Europa. Además contó con la presencia de artistas españolas como el colectivo El Palomar, Andrés Fernández, La Rara Troupé y Azucena Vieites.
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Vista de la instalación, More Sweetly Play the Dance, 2015 de William Kentridge. Foto: Studio Hans Wilschut
5 – William Kentridge, Lo que no está dibujado / CCCB, Barcelona
El trabajo de William Kentridge versa sobre el racismo, la ciudad y sus conflictos o la cicatriz colonial, y eso es lo que se muestra en su muestra Lo que no está dibujado, cuyo eje central es la serie de trabajos iniciada en 1989, Drawings for Projection, en los que Kentridge dibuja al carboncillo, filma, borra y vuelve a dibujar, en una suerte de técnica de animación que nos devuelve a los orígenes de los films animados, pero también a la presencia de la mano del artista, a los errores y arrugas en el papel.
Los dibujos para projectar de Kentridge cuentan historias muy concretas, la de Soho Eckstein y Felix Teilebaum, la de Sudáfrica, la historia del Apertheid, la de la ruptura y la reconciliación, la de la explotación y la culpa, de la de las heridas y su curación. Por eso, las historias que cuenta Kentridge no son sólo las de Sudáfrica, sino que por desgracia son exportables a todos sitios, a traumas históricos que deberiamos de una vez por todas superar.
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PUBER de Tanit Plana en La Virreina Centre de la Imatge
6 – Tanit Plana, PUBER / La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona
Tanit Plana presenta PUBER, una suerte de sinfonía de colaboraciones mediante las cuales la artista explora la adolescencia y sus prácticas socioculturales. Por un lado, encontramos 74 retratos de jóvenes que pertenecen a clases y contextos diversos, quienes se muestran a la cámara de la fotógrafa desde ámbitos urbanos teatrales, zonas limítrofes donde la ciudad adquiere una fisonomía espectral.
Junto a estos, en el mismo espacio museográfico, se presenta una selección de 200 vídeos, realizados por la investigadora cultural Estela Ortiz, realizados mediante la plataforma TikTok, y cuyo universo sonoro acompaña la visita con fragmentos aleatorios de diálogos, gruñidos y música.
Vista instalación expo colectiva, Cybernetics of the Poor. Tabakalera, San Sebastián
7 – Cybernetics of the Poor/Cibernética del pobre: tutoriales ejercicios y partituras / Tabakalera, San Sebastián
La exposición examinaba las intersecciones del arte y los sistemas cibernéticos. “Una vez que el reino de los think-tanks conspirativos y la ciencia ficción, la cibernética se ha convertido en algo banal. Los algoritmos regulan casi todos los aspectos de nuestras vidas, desde la economía global hasta nuestros hábitos ya no privados”, escribe Ren Ebel en su reseña de la muestra comisariada por Diedrich Diederichsen y Oier Etxeberria. Incluye obras de Cory Arcangel, Hanne Darboven, Agnieszka Kurant, Adrian Piper y muchos más.
Vista instalación, Phase Shifting Index, 2o2o de Jeremy Shaw en la Galeria 3, Centre Pompidou
8 – Jeremy Shaw, Phase Shifting Index / Centro Pompidou, París
Para su primera exposición individual en un museo de Francia, el artista canadiense con base en Berlín, Jeremy Shaw llevó la experiencia inmersiva a otro nivel en su muestra Phase Shifting Index. La instalación de vídeo de siete pantallas contenían personas realizando diferentes rituales y danzas. La muestra analiza diferentes caminos para llegar al extásis, ya sea mediante experiencias psicotrópicas, la repetición agitada y continuada de movimientos mediante danzas de diferentes tipos y naturaleza, desde la danza a bailar tecno en un club, o la devoción religiosa. Viendo la expo. como individuos sentíamos empatía con alguno de los métodos, con los que nos identificabamos, en un año caracterizado por la imposición de restricciones, esta exposición nos recordó lo que se siente al dejarlo todo.
Vista instalación, Fog Dog de Daniel Steegman Mangrané en la Galeria Esther Schipper de Berlín
9 – Daniel Steegmann Mangrané, Fog Dog / Galería Esther Schipper, Berlín
Fog Dog/Perro de Niebla fue una increible exposición que incluía intervenciones de luz arquitectónica, una instalación de sonido y un film en el espacio de la galería.
Una intervención de luz en dos partes saludaba al visitante al entrar en la exposición. Iluminada completamente por luz natural, las paredes angulares de separación transformaban el espacio en una serie de habitaciones conectadas que alteraban fundamentalmente la experiencia del espacio, controlando y dando forma a la luz que entra.
En la mayor sala semi-cerrada creada por las divisiones del espacio, se proyectaba la nueva película de Steegmann Mangrané, Fog Dog, la primera incursión del artista en la narración cinematográfica que toma como punto de partida la curiosa interacción de los habitantes humanos y no humanos del Instituto de Bellas Artes de Dhaka, documentando la vida cotidiana de la escuela y los numerosos perros callejeros que viven allí y parecen llevar una existencia paralela.
Tanto la película Fog Dog, con su amplio retrato de un mundo más allá de los modos de existencia humana, como la exposición en su conjunto, con su mayor conciencia de la luz, el sonido y la tactilidad, tratan de abordar la forma en que la percepción humana da sentido al mundo.
Vista instalación, Atlas Mnemosyne de Aby Warburg en HKW de Berlín
10 – Aby Warburg, Atlas Mnemosyne / Haus der Kulturen der Welt, Berlín
En la pequeña ventana de tiempo en la que las galerías y museos no estaban cerrados debido a las regulaciones de la COVID-19, la Haus der Kulturen der Welt (HKW) de Berlín inauguró Atlas Mnemosyne del historiador de arte Aby Warburg (1924-29). Para esta exposición, el atlas, compuesto por 63 paneles con casi 1.000 imágenes, se reconstruyó meticulosamente por completo.
Creado originalmente para estudiar la influencia del mundo antiguo durante el renacimiento y más allá, la presentación en la HKW reveló la importancia del enfoque de Warburg y sus similitudes con las enciclopedias de imágenes digitales de la actualidad. Dolor, sufrimiento y posibilidad en estas imágenes.
