Con una propuesta colorida y casi juguetona, Johan Gelper expone su visión artística: una fusión entre lo industrial y lo natural, lo geométrico y lo orgánico.
Las esculturas de Johan Gelper son como “dibujos espaciales desmontables”, que se pueden montar y desmontar, generando a su vez otras obras nuevas. Las plantas, la naturaleza y los movimientos biomórficos son su fuente de inspiración. Una obra dinámica y elegante que establece una conexión entre lo inmaterial y la realidad de los objetos tangibles.
Estudio Johan Gelper. Foto @ Giorgia Di Tria.
Botanical with Abstract Head,2022. Foto: © Johan Gelper.
El 8 de septiembre se inauguró una exposición individual tuya en la Galería V/MSP de Bruselas, bajo el título ‘Geotropism’. ¿A qué hace referencia este título?
Johan Gelper. La exposición toma su nombre de la botánica. El geotropismo es la respuesta de las plantas a la gravedad. Elegí este título porque de alguna manera encuentro una similitud entre el lenguaje de la escultura y el lenguaje de la botánica. La mayoría de las obras tienen el mismo título, en primer lugar, porque tienen una curva que hace referencia al carácter estético especial de la mayoría de las plantas cultivadas en geotropismo, pero también porque hacen referencia a obras anteriores que me gustaron, añadiendo otra capa que se conecta a mi búsqueda de una obra dentro de un método de trabajo donde el contenido y la forma suelen coincidir.
En 2007 realicé una escultura bajo el título “Geotropism”, que tenía una estructura similar a un globo de aluminio con hojas artificiales pintadas en todas las direcciones en el exterior de la estructura y recientemente he realizado un trabajo in situ para una exposición colectiva en un antiguo edificio de finanzas que será demolido en breve. “Geotropism” parecía encajar bien como título de esta nueva escultura debido a la forma y al contraste entre los materiales que se relacionan con la gravedad. Está hecho con ladrillos caídos y persianas de plástico que encontré en el lugar. Construí las persianas con una forma que se asemeja a la estructura de una planta, inspirándome en una imagen que encontré de esculturas de papel de la Bauhaus y un libro de arte que tengo
sobre las fotografías de Karl Blossfeldt.
Equilibrium, 2022. Foto: © Johan Gelper. Courtesy V/MSP Gallery.
Hablas de que “las plantas, la naturaleza y los movimientos biomórficos de sus procesos de crecimiento son una inspiración recurrente en tu trabajo”. ¿Cómo se puede traducir eso en tus esculturas?
Johan Gelper. La resiliencia de las plantas hace que siempre se adapten a su entorno e interactúen con el espacio que las rodea. A mi parecer eso es lo que debería hacer la escultura, ya que considero que es mucho más que un objeto estático. De esta manera, la mayoría de mis esculturas normalmente se pueden armar y desarmar, pudiendo así adaptarlas a la arquitectura o al espacio donde se instalen. Esto no es solo así por razones prácticas, viene de la idea de que la obra no es solo ella misma, sino también el espacio que la rodea.
Cuando hablamos de plantas y botánica, a menudo pensamos en procesos orgánicos, pero se pueden usar las mismas palabras para describir mi método de trabajo a la hora de crear esculturas: tengo una forma de pensar donde la idea y el resultado coinciden en su mayoría, por lo que no hay diseño lineal como método. Todo proviene de un proceso orgánico y cíclico.
Geotropism, 2022. Foto: © Johan Gelper.
La exposición en la Galería V/MSP también mostrará algunos de tus dibujos. ¿Con qué frecuencia uno de tus dibujos acaba convirtiéndose en escultura?
Johan Gelper. Si bien algunos de mis dibujos, collages, grabados y otros trabajos en papel podrían considerarse bocetos de mis esculturas, estos realmente deben ser vistos como obras independientes. No obstante, existen fuertes correlaciones entre las obras 2D y 3D. En ambas hay una interacción de elementos figurativos y abstractos. Su composición es a menudo el resultado de una fusión intuitiva de dibujos botánicos, diseños técnicos y elementos abstractos, que juntos forman un nuevo todo que oscila entre la figuración y la abstracción. De esta manera, están en algún lugar entre una “écriture automatique” sin restricciones, y un sistema construido conscientemente.
Veo el dibujo como una forma de pensar y, a menudo, describo mi práctica artística como “dibujo espacial desmontable”.
Este es también el título de varias instalaciones in situ, pero bien podría ser una metáfora de una forma de trabajo orientada a la investigación y al proceso, en la que cada nueva obra surge de trabajos anteriores, a menudo durante un largo período de tiempo.
Wind simulation, 2020. Foto: © Johan Gelper.
Entre los muchos materiales con los que trabajas, tu obra suele introducir materiales orgánicos como ramas, hojas o resina. En otras ocasiones, se intenta simular formas orgánicas utilizando materiales inorgánicos. ¿Qué importancia tiene la relación entre lo orgánico y lo inorgánico en tu obra?
Johan Gelper. Parto siempre de cierta admiración hacia estos materiales, al mismo tiempo, me parece importante darles una nueva definición, por lo que busco combinaciones sustantivas, asociaciones de imágenes y referencias que me parezcan interesantes. Lo orgánico e inorgánico es a menudo una de estas referencias y puede tratarse de la aparente contradicción entre naturaleza y cultura o de la ambigüedad de los objetos hechos a mano.
Trabajo principalmente con materiales que encuentro, tanto elementos naturales como manufacturados. Me gusta ajustarlos para crear nuevas experiencias visuales y táctiles, que pueden ser muy variadas y frecuentemente in situ. A menudo esto complica la percepción del valor y da sentido a lo que de otro modo sería un desperdicio. Al trabajar con materiales utilitarios encontrados, la transformación de estos materiales en un conducto para nuevas experiencias espaciales, es más importante que los materiales mismos.
En la práctica, paso mucho tiempo en mi estudio o en mi mesa de dibujo, experimentando y explorando diferentes medios y técnicas, a menudo contrastando elementos geométricos con formas orgánicas u objetos industriales con materiales naturales.
Estudio Johan Gelper. Foto @ Giorgia Di Tria.
¿Te preocupa la evolución de estos materiales en tu obra?
Johan Gelper. Para mí el proceso creativo, la percepción, la idea, la poesía, la vida y la admiración son siempre anteriores. Nunca me ha interesado elegir una sola profesión académica técnica para luego hacer y vender objetos sólidos o esculturas que resistan el paso del tiempo. Soy un defensor de la idea de que las disciplinas visuales y sus técnicas asociadas son simplemente “medios” y no fines en sí mismos.
Para mí, una escultura puede ser tan frágil como un dibujo en papel y estar hecha solo con ramas frágiles, telas o pinturas.
Teniendo en cuenta los aspectos técnicos profesionales relacionados con la durabilidad y la conservación, trabajo con lo que puedo y, en última instancia, en el contenido. Los aspectos materiales de las cosas son menos importantes que explorar el espacio en sí.
More or less abstract, 2022. Foto: © Johan Gelper. Courtesy V/MSP Gallery.
¿Inviertes tiempo en la búsqueda de nuevos materiales?
Johan Gelper. Cuando se trata de materiales me encanta explorar y descubrir. En este método, el contenido y la forma, la idea y el material, a menudo coinciden. Prefiero partir siempre de la admiración, de cómo acaba y evoluciona un determinado material en mi estudio, de cosas que encajen con lo que voy encontrando en mi camino y con lo que estoy tratando de crear en ese momento. Cuando se trabaja con ensamblaje, consiste sobre todo en encontrar un objeto y trabajar con él hasta que uno aprende a encontrar la mejor técnica para los materiales utilizados y no al revés.
Geotropism, 2022. Foto: © Johan Gelper. Courtesy V/MSP Gallery.
En tu obra podemos observar fácilmente la influencia de algunas disciplinas artísticas como el constructivismo, el arte cinético, o el dadaísmo. ¿Qué otros artistas influyen en tu arte? ¿Dónde sueles encontrar la inspiración?
Johan Gelper. Prefiero hablar de admiración que de inspiración. Además de las obras de arte, me inspira la naturaleza, la botánica, la poesía y lo cotidiano. Muchas veces parto de objetos encontrados, cosas que no llamamos arte, que han caído en desuso y, a partir de ahí, busco asociaciones y conexiones personales, pero esto lo hago de manera muy intuitiva y en el momento. El resultado siempre debe ser algún tipo de cambio que cree algo nuevo de forma poética.
Geotropism, 2022. Foto: © Johan Gelper. Courtesy V/MSP Gallery.
A menudo resulta curioso cómo los objetos más banales pueden vincularse al arte.
Mi trabajo consiste en una especie de investigación continua o asimilación de experiencias, a partir de las cuales busco nuevas experiencias en cuanto a la forma, el contenido, los materiales, las técnicas y los medios.
También me interesan las esculturas con formas abiertas o transparencias y, en la escultura abstracta, hay toda una historia del dibujo en el espacio. Además de la escultura moderna y contemporánea, también me gusta el arte muy antiguo como las pinturas de Pieter Breughel el Viejo o el Bosco.
Botanical construction, 2022. Foto: © Johan Gelper. Courtesy V/MSP Gallery.
Un crítico de arte denominaba tu arte como el “arte povera del siglo XXI”. ¿Qué opinas sobre esta afirmación?
Johan Gelper. No tengo ningún problema con esa afirmación. Siempre he admirado mucho el arte povera. También dice del ‘siglo XXI’, así que lo tomo como un cumplido. Si no me equivoco, el arte povera solo existió durante 10 años, pero de él han surgido tantos grandes artistas. Su decisión de no considerar la obra de arte como un “producto” comercializable les dio a estos artistas mucha libertad para realizar nuevas creaciones efímeras en materiales perecederos y en lugares temporales, a menudo realizaron obras en las que lo cotidiano cobraba sentido.
Siempre me recuerdan que es posible hacer obras frágiles o temporales, incluso en el siglo XXI, donde cada vez más galerías de arte piden mostrar solo obras vendibles duraderas en una exposición.
¿Cuáles son tus proyectos para el futuro inmediato?
Johan Gelper. Hay varias exposiciones colectivas previstas próximamente, una en la Galería CC de Ververij, en Ronse, Bélgica y otra en Zúrich.
